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Se amplía la temporada de la obra “Flores negras del destino nos apartan”, que se presenta en el Teatro El Galeón del CCB

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* Un dialogo de nostalgia, amor y tristeza a partir de la novela Canción de Tumba de Julián Herbert

* Este proyecto es ganador de la convocatoria de dirección joven y es una producción del INBAL y la compañía El Mirador

CIUDAD DE MÉXICO, 03 de julio de 2021.- La obra Flores negras del destino nos apartan, espectáculo unipersonal basado en la novela Canción de Tumba, de Julián Herbert, amplía su temporada en el Teatro El Galeón  Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque (CCB). Esta producción del INBAL y de la compañía El Mirador, fue ganadora de la convocatoria de dirección joven, y tras un mes de su estreno, amplía temporada para presentarse todos los lunes y martes de julio y hasta el 24 de agosto.

Flores negras del destino nos apartan narra la vida de Guadalupe, una trabajadora sexual que convalece en una cama de hospital, mientras su hijo, interpretado por José Juan Sánchez hace un dulce y doloroso viaje a través de la memoria: un dibujo a mano alzada lleno de ternura, humor y una crueldad absoluta.

Bajo la dirección de Belén Aguilar, la puesta explora un discurso estético basado en la cinematografía y la música, elementos con los que se construyen los recuerdos y la memoria emotiva de los personajes y que permite llevar a escena al personaje de la madre, interpretado por Lorena Glinz, y que sólo se hace presente en pantalla.

Este proyecto además de ser un ejercicio autobiográfico de Julián Herbert, Belén Aguilar y José Juan Sánchez, es un espejo de la relación entre México y sus habitantes. Es una reflexión y un recuento de la historia, de cómo nos hemos conducido en nuestro papel de hijos de México. Una hipótesis que se adentra en nuestro gusto por el melodrama y nuestra afición por la violencia. Una historia de lágrimas, sangre, amor y boleros.

Flores negras del destino nos apartan es una producción del INBAL y la compañía El Mirador que extiende su temporada, ahora con funciones los lunes y martes de julio y hasta el 24 de agosto. Las funciones son a las 20:00 horas. Los boletos están disponibles en taquilla y Ticketmaster.

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A 200 años del primer payaso en México, se conmemora con la puesta en escena “El pagliacho, el gracioso de la calle del Relox” en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

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* Ofrecerá dos únicas funciones con música en vivo del Ensamble Jofranka

* Será como homenaje a José Soledad Aycardo “Don Chole”; primer clown mexicano

CIUDAD DE MÉXICO, 16 de julio de 2021.- Un viaje en el tiempo por los orígenes del circo en México, de la mano de sus protagonistas (el Circo Olímpico y José Soledad Aycardo “Don Chole”, el primer clown mexicano), es la propuesta del espectáculo El pagliacho, el gracioso de la calle del Relox, que presenta la compañía Los Estrouberry Clowns para el público infantil y familiar en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Secretaría de Cultura capitalina, mañana sábado 17 y domingo 18 de julio a las 13:00 horas.

El  montaje involucra circo, música, danza, teatro y clown es una propuesta de Fernando Hondall, dirigida escénicamente por Raúl Zamora a partir de una idea original de Erick Murias, quienes crearon el espectáculo con la finalidad de acercar a niños y adultos al mundo mágico del clown y a las artes circenses de una manera histórica, divertida y emotiva, acompañados de la interpretación de la música en vivo del Ensamble Jofranka.

En un escenario en forma de pista de circo, el espectáculo hace un homenaje al primer clown mexicano, José Soledad Aycardo “Don Chole”, en el 200 aniversario de su nacimiento y un recorrido por la historia del circo, su desarrollo artístico y cultural no exento de vicisitudes y obstáculos.

Al centro de la pista del circo, junto a un desvencijado baúl, un olvidado payaso, acordeón en brazos, invita al público a viajar en el tiempo y a conocer las aventuras del primer circo mexicano, el Circo Olímpico, y de su promotor “Don Chole”, quien mostrará el “circo, maroma y teatro” que se realizaba en los patios de vecindad de la Ciudad de México en el siglo XIX.

“El payaso se manifiesta en cada lugar. Sus personajes cómicos, su humor y leyendas jugaron un papel fundamental en el desarrollo cultural del mundo. México no fue la excepción y tiene una tradición que inicia en la época prehispánica y que el público desconoce. Contar la historia de uno de estos personajes enaltece nuestro legado cultural y nos devela los orígenes de nuestro humor tan dicharachero”, asegura Erick Murias, creador de esta obra.

“Es un homenaje a su persona y al humor que permitieron la comedia, las tandas en las carpas y en los patios de maroma en nuestro país. Ahí ocurre la historia, en un circo ubicado en el patio de una vecindad. Pero igual de importante es contar la trama del primer payaso mexicano y conocer al primer empresario de circo, desconocido por muchos, pero que, sin duda, fue todo un visionario que se arriesgó a pesar de la adversidad”, dice Murias.

El también actor de la puesta en escena refiere que “Don Chole” es “el empresario más famoso del siglo XIX, a quien se le debe el legado de los payasos que dicen versos, dichos y refranes, así como el espectáculo de la maroma y de los graciosos mexicanos, nombre con el que se conocía a los payasos en aquella época”.

También destaca que el legado de don José ha trascendido hasta nuestros días y que, incluso, a él se le debe la parodia de El Tenorio cómico y las tandas del circo, maroma y teatro, orden en el que presentaba su espectáculo en los patios de maroma y carpas.

Los Estrouberry Clowns es una compañía de teatro que ha ganado un lugar referente en el género clown. Para este proyecto realizó una investigación que arrojó luz sobre “el primer payaso cara blanca mexicano”, su estilo de trabajo coloquial y, en particular, su dominio de la palabra y el caló que utilizaba como forma de expresión.

En la puesta en escena de El pagliacho, el gracioso de la calle del Relox participan los actores y actrices Jorge A. Caballero Vega, Dettmar Yáñez, María Cappelletti, Adriana Reséndiz, Víctor Siáñez, Lobo Lavalle, Yesmin Curiel, Gustavo Franco, Donovan Reygadas, Marcelo Serran Morales, Erick Murias y Fernando Hondall.

Se trata de una producción del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro y el Programa de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes 2019, en colaboración con Los Estrouberry Clowns. Participa en vivo el Ensamble Jofranka, formado por Mario Alberto Gallardo y Julio Zapata.

El pagliacho, el gracioso de la calle del Relox se presentará mañana sábado 17 y domingo 18 de julio a las 13:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el cual se encuentra ubicado en la calle Donceles No. 36 en la colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende. El aforo al recinto es del 50 por ciento y tanto el personal como el elenco, así como los asistentes están obligados a atender las medidas sanitarias de acuerdo al semáforo epidemiológico. La venta de boletos está disponible en la taquilla del recinto y en Ticketmaster.

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“Perderlo todo, menos la soledad”, ahora en el Teatro Sergio Magaña

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* La puesta en escena se presentará hasta el próximo 25 de julio en el recinto de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, con funciones los jueves, viernes, sábados y domingos.

* Escrita por Valeria Fabbri, la obra es dirigida por Cecilia Ramírez Romo, con la actuación de Alberto Lomnitz, Meraquis Pradis y la propia Fabbri.

CIUDAD DE MÉXICO, 14 de julio de 2021.- La obra teatral Perderlo todo, menos la soledad, de Valeria Fabbri, ha vuelto al escenario en una nueva temporada que se llevará hasta el próximo 25 de julio, con funciones de jueves a domingo, en el Teatro Sergio Magaña de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México,.

Perderlo todo, menos la soledad es una entrañable y exitosa puesta en escena, bajo la dirección de Cecilia Ramírez Romo y en su regreso a los escenarios contará con la participación de Alberto Lomnitz, Valeria Fabbri y Meraquis Pradis.

El montaje es una coproducción de Teatro La Capilla (2018- 2019) con la compañía Me dijo, le dijo, le dije, que ha sido calificada como “absolutamente valiosa”, “bella y conmovedora” y “poética, tan actual, tan real y tan… México”, una reflexión en la que un viejo y una chica se conocen al borde de la muerte y disertan acerca de la soledad y la tristeza.

Se trata de la historia de dos personas tan lejanas, tan distintas y tan distantes, que coinciden en sus últimos instantes de vida, entablan una extraña comunicación y convierten la historia en una fantasía escénica sobre lo efímero de la vida, el tránsito a la muerte y la soledad.

La propuesta escénica, que juega con la realidad y la ficción, es ubicada en un tiempo y un espacio actuales: la estación del Metro Zócalo de la Ciudad de México. Ahí, Macarena, una joven de 17 años, experimenta un repentino dolor en el estómago y la envuelve un desasosiego que la nubla y la lleva a percatarse de que algo extraño ocurre: parece ser invisible al resto de los pasajeros y el mundo.

En su desesperación por encontrarse sola, por fin conecta, en un extraño plano de realidad, con Florentino (Alberto Lomnitz), un viejo de 81 años de edad. Aunque no se ven uno al otro, estos dos desconocidos mantienen comunicación por teléfonos conectados hacia cualquier parte y permanecen tomados de la mano en sus últimos instantes de vida.

La historia hace referencia también a “la ballena más triste del mundo”, un elemento extraído del mundo real. Este cetáceo así nombrado por los expertos ha llamado la atención del mundo porque emite su canto en una frecuencia distinta a la del resto de las ballenas, de modo que no puede comunicarse con ninguna otra especie y desde su nacimiento ha habitado siempre en soledad.

Cecilia Ramírez Romo, la directora de escena, dice que todo sucede “en un extraño plano de la realidad”, de tal forma que en un momento un viejo, una muchacha kinestésica y la ballena más triste del mundo coinciden como los tres últimos seres que habitan la tierra… o algún lugar parecido.

Pero la realidad es otra. Explica: Macarena fue apuñalada en el estómago durante su trayecto en el último vagón del Metro de la Ciudad de México que la conducía a la estación Zócalo. Florentino quiere auxiliarla, pero al mismo tiempo sufre un infarto. “Es una historia que intenta perderlo todo, menos la soledad”, dice la autora del texto, Valeria Fabbri.

Las actuaciones de Alberto Lomnitz, Valeria Fabbri y Meraquis Pradis están enmarcadas por la escenografía y el vestuario de Fernanda García, también escenografía e iluminación de Sergio López Vigueras y el diseño sonoro de Xico Reyes.

Perderlo todo, menos la soledad se presentará hasta el próximo 25 de julio los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Sergio Magaña, el cual se encuentra ubicado en calle Sor Juana Inés de la Cruz No. 114, colonia Santa María la Ribera, cerca del Metro San Cosme. El aforo al recinto es del 50 por ciento y tanto el personal como el elenco, así como los asistentes están obligados a atender las medidas sanitarias de acuerdo al semáforo epidemiológico. La venta de boletos está disponible en la taquilla del recinto y en Ticketmaster.

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Llega al Teatro Benito Juárez “Acá en la Tierra”, puesta en escena que aborda la identidad de género infantil

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* Escrita por Luis Eduardo Yee y dirigida por Rebeca Trejo, la puesta en escena  invita a reflexionar acerca de la inclusión y la idea de abrazar las diferencias.

CIUDAD DE MÉXICO, 13 de julio de 2021.- La puesta en escena infantil Acá en la Tierra, de Luis Eduardo Yee, se está presentando en el  escenario del Teatro Benito Juárez de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México para llamar a la reflexión acerca de la lucha de niñas y niños por encontrar su propia identidad y su lugar en el mundo contemporáneo.

Bajo la dirección de Rebeca Trejo, la actuación de un destacado elenco y la participación de La Máquina del Tiempo Producciones, esta obra teatral ofrecerá temporada hasta el próximo 08 de agosto con funciones los sábados y domingos a las 13:00 horas.

El montaje cuenta la historia de un niñ@ de seis años llamado Lolo, que se cuestiona acerca de su identidad de género y desde su perspectiva de inocencia piensa que es un extraterrestre que ha venido a la Tierra con una misión que ni él mismo conoce. Mientras “espera instrucciones”, tiene que adaptarse a los terrícolas, lo cual le resulta bastante complicado.

Con las interpretaciones de las actrices Assira Abbate, Vicky Araico y Mahalat Sánchez, Acá en la Tierra, reflexiona en el hecho de que en algún momento todo ser humano busca identificarse con algo o alguien, es decir, busca su sentido de pertenencia.

“La música, el deporte, un amigo, un familiar, nuestros maestros o compañeros de clase se vuelven referentes, pero ¿qué sucede cuando no logramos identificarnos con nada establecido? ¿cuál es nuestro lugar en este planeta?” se pregunta el autor del texto: “Es justo en esta misión en la que se encuentra Lolo, nuestro niño extraterrestre, quien a su corta edad intenta comprender el comportamiento de los terrícolas y su terrible necesidad de clasificar todo y de hacer cosas que no les gustan”.

El juego preferido del menor es observar el planeta y “reportar a otros extraterrestres” sobre sus diversas preferencias como: oler una toronja, mirar los pájaros, disfrutar de un plato de enfrijoladas y puré de papa; así como comunicar lo que odia: los lunes, las filas en la escuela, y la obligación de ponerse en el lugar que a uno le dicen y no en el que elige, simplemente porque ese sitio aún no es visto en este planeta.

En el desarrollo de la historia, el niño conoce a Dolores, una mujer “invisible” que trabaja en su escuela y quien a través de la música le enseñará a viajar a su planeta. La puesta en escena recurre a una estética general que sugiere los años 70’s y 80’s del siglo XX. Así, entre neones, cassettes, walkmans y música de David Bowie, Queen, The Cure e Iggy Pop, el público se introduce en ese universo en el que Lolo cree que, por fin, encontró a otros extraterrestres como él.

Acá en la Tierra está basado en un poderoso texto acerca de la inclusión y de abrazar las diferencias; plantea la lucha valiente e inagotable de Lolo en búsqueda de su identidad, con el único objetivo de encontrar su lugar en este mundo desordenado.

“Se trata, sin duda, de un tema que es necesario abordar no sólo para la comunidad, sino porque nos toca a todos”, asegura la directora de escena Rebeca Trejo. “En algún momento de nuestra vida nos hemos encontrado formados en una fila o en un lugar donde no queremos estar”, agrega. Considera que “la identidad de género es un tema prácticamente nuevo en el teatro de México, pues si bien antes se había abundado en la homosexualidad, las personas trans no eran mencionadas y menos entre los infantes”.

“Son temas actuales, necesarios para los niños, sobre todo porque a esa edad nos formamos un criterio y es importante que nos replanteemos las normas ya establecidas socialmente. La obra es una llamada para que, dentro de la colectividad, nos escuchemos y visibilicemos unos a otros”, afirma.

En el equipo técnico de la obra participan: Jesús Hernández en escenografía e iluminación, Lissete Barrios, vestuario y Rodrigo Castillo Filomarino en la música original y diseño sonoro. La producción es de Paola M. Salguero, la asistencia de dirección de Abigail Araoz y de producción de Karina Real.

Acá en la Tierra de Luis Eduardo Yee se escenificará hasta el próximo 08 de agosto los sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Benito Juárez, el cual se encuentra ubicado en calle Villalongín No. 15, colonia Cuauhtémoc, muy cerca del Metrobús Reforma.

El aforo del recinto es del 50 por ciento y tanto el elenco como asistentes deben atender las medidas sanitarias para prevenir el contagio de la Covid-19. La venta de boletos está disponible en la taquilla del recinto y en Tickermaster.

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